La Escotilla del Capitán Nemo.

 Louise Brooks fue una actriz norteamericana de cine mudo de los años 20, pero insatisfecha con la industria de Hollywood que empezaba a despuntar entonces muy tímidamente, se exilió a Alemania donde rodó en Berlín «La caja de Pandora» del director Georg Wilhelm Pabst, considerada por muchos críticos como una obra maestra del cine expresionista. Louise Brooks fue una mujer fascinante para su tiempo; era muy culta e inteligente (tenía una notable obsesión por las obras de Goethe y Thomas Mann), y nunca se sintió muy cómoda en el mundo frívolo de Hollywood, donde los actores no tenían una formación intelectual mayor que la de un artista circense; a lo largo de su vida no dejó de censurar severamente la superficialidad de Hollywood frente al refinamiento de Europa. Durante mucho tiempo, esta hija pródiga del cine americano, permaneció olvidada hasta su misma muerte, pero su característico corte de pelo y su imagen de mujer vulnerable y melancólica inspiró el personaje de Faustine de la novela «La invención de Morel» del escritor argentino Adolfo Bioy Casares. También fue la inspiración de «Valentina», un personaje de cómic de los años 60.

 Abel Tomás Villalba. [Retrato a la tinta y acuarela realizado en tamaño A3].

 A continuación os mostramos un par de vídeos documentales en torno a la figura de la actriz y su obra fílmica más representativa.

La literatura fantástica inglesa de la segunda mitad del siglo XX tuvo en Angela Carter a uno de sus autores más celebrados e interesantes; esta escritora nacida en la localidad de Eastbourne dio a la literatura fantástica títulos como «La juguetería mágica», «La pasión de la Nueva Eva» o «El doctor Hoffmann y las infernales máquinas del deseo». Sin embargo la obra que ahora quiero comentar es un libro de cuentos titulado «La cámara sangrienta», y más concretamente el relato «En compañía de lobos», que sirvió de base para una de las películas del fantástico más celebradas de la década de los 80; «La cámara sangrienta y otros relatos» (en inglés «The Bloody Chamber and Other Stories») es una recopilación de textos que reescribe en clave feminista la saga de cuentos tradicionales europeos desde el mismo relato que da título a la colección, «La cámara sangrienta», sobre el cuento de «Barba Azul», hasta «En compañía de lobos», sobre «Caperucita Roja»; otros cuentos populares de “hadas” desfilan por este libro, como el de «La bella y la bestia» y «El gato con botas»; pero es precisamente la versión cartesiana del cuento de «Caperucita» el que ha logrado merecida fama, y por supuesto, quizá gracias a su versión homónima para el cine, es el relato más conocido del libro.
La película «En compañía de lobos» fue dirigida por el irlandés Neil Jordan («Juego de lágrimas» y «Entrevista con el vampiro») que coescribió el guión de la cinta con la misma Angela Carter, con una partitura de un George Fenton en estado de gracia y que fue protagonizada por una jovencísima Sarah Patterson, que entonces apenas contaba 12 años; el resultado no pudo ser más inquietante y turbador, como era de esperar; aún así la película fracasó en taquilla en el año de su estreno (1985), por desgracia, debido en parte a su pésima distribución, pero ganó algunos premios importantes que la dignificaron y acabaron por convertirla en una película de culto para muchos aficionados al género fantástico, y la verdad es que merece la pena su visionado después de sus más de 20 años a las espaldas; y hasta se podría decir que ha ganado en encanto, precisamente por su factura artesanal tan, digamos, ochentera. Hoy día, que estamos tan acostumbrados a ver cómo los cuentos de hadas son banalizados hasta la estupidez más ridícula por la industria del celuloide, no estaría de más echar un ojo a esta maravillosa cinta de los 80, y aunque sus efectos especiales puedan parecernos acartonados y rudimentarios después de películas como «Avatar» (¿tanta importancia tienen los efectos especiales de una cinta para que ésta resulte original y muy entretenida?), al menos tiene un guión mucho más decente, consistente y trabajado que los que perpetra el señor James Cameron; ya dijo una vez cierto director de cine, y con toda la razón, que de un buen guión puede salir una película estupenda, una película mediocre o una mala película, pero que de un mal guión sólo puede salir una mala película. Así que olvidemos el oropel de los efectos especiales y dejémonos llevar por una buena historia, porque la tecnología envejece muy pronto, como todos sabemos, pero las buenas historias son para siempre; eso es lo que tienen los lobos, que siempre han estado ahí con nosotros, desde que los oíamos aullar desde el abrigo de la caverna. Yo me lo creo.
Aquí les dejo un par de escenas de la cinta; no se puede pedir más.

Abel Tomás.

Cuando en el año 1940 Disney presentó al mundo su película «Fantasía», sin duda pretendió dar el salto del cine de animación destinado a un público infantil al cine adulto; pero por desgracia la cinta no funcionó como deseaba el tío Walt, y se vio ¿forzado? a dar al público lo que éste le pedía, es decir, otra «Blancanieves», y así llenarse los bolsillos con la taquilla; ¡qué lejos quedaron los sueños visionarios de un artista para cambiarlos por monedas!; así se devalúa el arte y se corrompe el talento, porque lo que es talento, nunca le ha faltado al ratón Mickey. Desde entonces, acá en occidente, el cine de animación sólo podía ser relacionado con la infancia. Ya en los años 90, como sabemos, en la denominada edad de plata, los estudios Disney se esforzaron por dirigir sus películas a un público más adulto, pero la cosa se quedó en buenas intenciones; quizá las películas se hicieron más irónicas y un poco menos ingenuas, algo más gamberras si se prefiere, pero al fin era el público juvenil, y no precisamente adulto, al que se destinaban los nuevos productos del tío Walt. Sólo Pixar, que dejó de lado la animación tradicional por la infografía, ha sabido crear obras, a mi parecer, más coherentes con el público adulto. Pero no nos engañemos; el cine de animación para adultos se lleva haciendo en Japón desde hace más de 40 años y es conocido en el mundo entero por anime. El mundo del anime sorprende por el público amplio al que va destinado en su país de origen, y esto desde luego ha creado confusión en occidente; nosotros, los de aquí, seguimos una fórmula matemática de lo más sencilla, es decir: cine de animación= infancia; así son las cosas en occidente gracias a la factoría Disney. Pero en Japón los límites en el mundo de la animación ya no está tan claros, y por esta razón hay una gran diversidad de géneros y formas de hacer muy diferentes, dependiendo del público al que vaya destinada la película o la serie; y lo mismo ocurre con el manga en relación al cómic occidental. Así de sencillo.
De todos los creadores de anime es, por supuesto, Hayao Miyazaki, el más conocido en occidente; por desgracia el maestro ha decidido retirarse del mundo de la animación hace bien poco, y esto ha provocado una gran decepción entre sus incondicionales. No seamos tan exigentes y alegrémonos con las obras maestras que nos ha regalado, que no son pocas; el maestro se merece un descanso bien merecido y ya otros harán lo suyo, eso espero.
Reconozco que para mí este creador, de imaginación deslumbrante, ha sido todo un descubrimiento; la primera película que vi suya fue la poderosa «La princesa Mononoke», una cinta con la fuerza épica de un Kurosawa mezclada con el animismo nipón. En esta película el discurso pronaturaleza no chirría como en el «Avatar» de Cameron, bastante más infantil, pueril y pretencioso. Y luego vino la que es para mí su obra maestra, «El viaje de Chihiro», un Lewis Carroll asimilado por oriente de un modo espectacular; pero es de otra película de Miyazaki de la que quiero hablar.
«El castillo ambulante» está basado en una novela de la autora británica Diana Wynne Jones, y aunque tiene muchas diferencias si la comparamos con el texto original, no desmerece para nada de la novela en su resultado final; de hecho, la escritora pareció muy satisfecha después de asistir a un pase invitada por el propio Miyazaki, aunque reconoció que nada tenía que ver con lo que había escrito ella. Yo creo que esas infidelidades beneficiaron más que perjudicaron la cinta del creador de Totoro y fundador del estudio Ghibli.
El castillo ambulante se desarrolla en un país ficticio, poblado de brujas y magos, y con una ambientación que hace referencia a la revolución industrial del siglo XIX anterior a la Primera Guerra Mundial; cuenta la historia de Sophie, una muchacha de 18 años que trabaja en una sombrerería y que sufre el encantamiento de la Bruja del Páramo que la ha convertido en una anciana de 80; para romper el hechizo, Sophie debe buscar al mago Howl, un personaje excéntrico y algo pusilánime y vanidoso que habita el castillo ambulante que da título a la película, un castillo gobernado por un diablo en forma de fuego que siempre arde en el hogar y que se llama Calcifer. La cinta está repleta de personajes pintorescos, como el espantapájaros, que tanto recuerda a «El mago de Oz», el perro asmático, y por supuesto el mismo castillo, que es un personaje más de la película con toda las de la ley.
Se trata de una de las películas más líricas y hermosas del maestro Miyazaki, que para nada la considero menor, y que merece ser visionada, aunque sea una sola vez en la vida; y mención aparte merece la partitura del genial Joe Hisaishi, muy superior a las melodías convencionales que nos vienen de Hollywood.
Después de ver esta maravilla de la animación, por mí la cabeza de Disney puede seguir congelada o criando gusanos dónde quiera que esté; yo me quedo con el señor Miyazaki, y con esto ya está todo dicho.

Abel Tomás.